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Biografia

Ana Borralho (Lagos, 1972) & João Galante (Luanda, 1968) conheceram-se enquanto estudavam artes plásticas no AR.CO (Lisboa). Como actores/co-criadores trabalharam regularmente com o grupo de teatro OLHO (com o encenador João Garcia Miguel), entre 1992 e 2002.

Desde 2002 trabalham em parceria nos campos da performance-art, dança, instalação, fotografia, som e vídeo. Temas frequentes no seu trabalho: corpo|mente, dentro|fora, emoção|sentimento, eu|outros, privado|público, social|político. Um dos seus últimos trabalhos “Atlas” leva mais longe estas noções trazendo ao palco 100 pessoas de diversas profissões. Das peças criadas em conjunto destacam: “Mistermissmissmister” (2002), “I love you” (2003), “No Body Never Mind 001, 002 e 003” (2004-06), “sexyMF”(2006), “I put a spell on you” (2007), “Meatphysics” (2008), “Untitled, Still Life” (2009), “World of Interiors” (2010), “Atlas” (2011), “Linha do Horizonte” (2012), “Purgatório” (2013), “Aqui estamos nós” (2014), “Só há uma vida, nela quero ter tempo para construir-me e destruir-me” (2015), “Vão Morrer Longe” (2016) e “Gatilho da Felicidade” (2017). Desenvolveram, conjuntamente com Mónica Samões, o projecto “No Jogo do Desejo ou o Choque Frontal” (workshops/ateliers para público jovem – 2008), o vídeo documentário “Eu Não Tu” (2009) e o espectáculo infanto-juvenil “A Linha ou O Deserto já não é uma casa vazia” (2009). Em 2010 o Teatro Municipal Maria Matos apresentou uma pequena antologia das suas performances sob o título “O Mundo Maravilhoso de Ana Borralho & João Galante”.

Desde 2004 que os seus trabalhos são apresentados em diversos Festivais Internacionais em Portugal, França, Espanha, Suíça, Escócia, Brasil, Emiratos Árabes Unidos, Japão, Alemanha, Áustria, Reino Unido, Itália, Eslovénia, Eslováquia, Islândia, República Checa, Finlândia, Hungria, Estónia, Polónia e Grécia.

São membros fundadores da banda de não-músicos Jymmie Durham, co-fundadores da associação cultural casaBranca e directores artísticos do festival de artes performativas Verão Azul.

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Biografia

Nasceu em Belo Horizonte, Brasil em 1965. Em 1970 muda-se para Lisboa, onde permanece até 1993. Licenciado em Antropologia Cultural (Universidade Nova de Lisboa), foi bolseiro do INIC junto ao Centro de Estudos em Sociologia da Universidade Nova de Lisboa entre 1990-93. Nas décadas de 1980 e 1990, trabalhou como dramaturgista (e por vezes como cenógrafo) dos coreógrafos Francisco Camacho, Vera Mantero, João Fiadeiro e Meg Stuart, com quem aprendeu a pensar dança. Escreve nessa época para Diário de Notícias, Público, e Blitz.

Doutorado pela New York University, é atualmente Professor Catedrático e Coordenador do Departamento de Estudos da Performance na New York University, onde lecciona e pesquisa nas áreas de teoria crítica de dança, filosofia da arte, teoria da performance, e estudos curatoriais.

Coordenador editorial de várias antologias sobre dança e teoria da performance, incluindo “Of the Presence of the Body” (2004), “The Senses in Performance” (com Sally Banes, 2007), “Dance” (2012), e “Points of Convergence” (com Marta Dziewanska, 2015).
Enquanto curador independente, foi curador-chefe do Festival In Transit (2008 e 2009) no HKW-Berlin, e criou projectos para MoMA-Warsaw, MoMA PS1, the Hayward Gallery, Haus der Künst-Munich, Sydney Biennial 2016, entre outras instituições nos Estados Unidos, Brasil e Europa.

Palestrante convidado no Gauss Seminar at Princeton University, Brown University, École des Hautes Études en Sciences Sociales – Paris, Universidade Federal do Rio de Janeiro, Freie Universität – Berlin, Universidade de Lisboa, Roehampton University, University of New South Wales, University of Ghent, Universidade de Lisboa, entre várias outras instituições na Europa, Brasil e EUA. Professor convidado da UFRJ (2013) e da Stockholm University of the Arts (2015).

Autor de “Exhausting Dance: performance and the politics of movement” (Routledge 2006, traduzido em 12 línguas – edição em português pela Editora Anna Blume, SP), de “Idiorítmia, o en l’esdeveniment d’una trobada” (MACBA, 2018),e de “Singularities: dance in the age of performance” (Routledge 2016).

Premiado com “Best Performance 2008″ pela Association Internationale des Critiques d’Art (secção USA), pela sua co-curadoria e direcção da remontagem autorizada de “18 Happenings in Six Parts” de Allan Kaprow (uma comissão de Haus der Kunst 2006, apresentada também na PERFORMA 07).

Desde 2003 colabora e participa em várias “Ações” da performer Eleonora Fabião.

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Biografia

O trabalho artístico de Christine De Schmedt situa-se entre dança/performance, coreografia, coordenação, organização e curadoria de projectos artísticos. Foi membro da companhia Les Ballets C. de la B. (Gante, Bélgica) de 1991 a 2012; criou o seu próprio trabalho a partir de 1993: a solo “La force fait l’union, fait la force”; “Escape Velocity” um projecto itinerante nos Balcãs (1998), “9×9” uma coreografia de grande formato e escala (2000-2005); e “Quatro Retratos Coreográficos” (2012) uma série de retratos performativos de diferentes artistas, intitulados “I would leave a signature”, “The son of a priest”, “A woman with a diamond” e “Self-reliance”.

Colaborou durante vários anos com Meg Stuart – Damaged Goods (1995-1999) e com Mårten Spångberg, Mette Edvardsen, Philipp Gehmacher, Vladimir Miller, Jan Ritsema, Myriam Van Imschoot, Xavier Le Roy, entre outros.

Desde 2003 colabora e interpreta nos projectos “Low Pieces” e “Temporary Title, 2015” de Xavier Le Roy, e na coreografia “Artificial Nature Project” de Mette Ingvartsen (2013-2014). Em 2014 apresentou “spatial confessions” com Bojana Cvejic, no Turbine Hall da Tate Modern (Londres, Reino Unido). Desde 2005 realiza projectos com Eszter Salamon, como “Nvsbl”, “dance#1/driftworks”, o projecto de grupo “Transformers” e “Dance#2”. Em 2018 colaborou com Myriam Van Imschoot na performance participativa “Splash!”, na piscina apresentada em Mimosa (Kortrijk, Bélgica).

Foi curadora de um projecto de residência artística “Summer Intensive” em 2010 e 2011. Foi Coordenadora Pedagógica dos Performing Arts Training Studios – P.A.R.T.S. (2013-2016), onde continua envolvida como mentora e membro do corpo docente. Desde 2016 também lecciona na KASK (Gante, Bélgica).

Actualmente colabora com Xavier Le Roy, faz assistência artística para Mette Ingvartsen em “Moving In Concert”, e para Eszter Salamon em “Heterochrony, Manifestations”, e está a desenvolver um projecto sobre a violência, baseado em entrevistas e reflexões performativas de diferentes áreas da sociedade.

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Biografia

Considerada uma das pioneiras do movimento da Nova Dança Portuguesa, a carreira de Clara Andermatt revelou, ao longo dos anos, uma identidade particularmente singular no panorama artístico nacional e internacional, e um percurso que, indubitavelmente, deixou a sua marca na história da dança contemporânea portuguesa.

Iniciou os seus estudos de dança com sua mãe Luna Andermatt. Estudou piano e educação musical, até ir para Londres, em 1980, para aprofundar os seus estudos na área da dança no London Studio Centre, onde se graduou em 1984. Recebeu a Bolsa Bridget Espinosa, atribuída anualmente apenas a um aluno, bem como a distinção The Best Student Award. Nesse mesmo ano obtém o diploma completo da Royal Academy of Dance de Londres.

Foi bolseira do Jacob’s Pillow Dance Festival (Lee, Massachusetts, 1988), do American Dance Festival – International Choreographers Residency Program (Durham, 1994) e do Bates Dance Festival (Maine, 2002).

O seu interesse pela área do teatro levou-a a estudar “O Método de Interpretação para o Actor”, desenvolvido nos palcos norte-americanos nas décadas de 1930 / 1940, com os formadores Michael Margotta e Robert Castle. Integrou entre 1984-88 a Companhia de Dança de Lisboa (dirigida por Rui Horta), e entre 1989-91 a Companhia Metros, em Barcelona (companhia de autor de Ramón Oller).

Em 1991 volta a estabelecer-se em Portugal e cria a sua própria Companhia, atualmente designada como ACCCA – Associação Cultural Companhia Clara Andermatt.

Em 1994 inicia uma forte relação com Cabo Verde, cria vários projectos com intérpretes locais, ações de formação e colaborações com artistas de diferentes áreas, que culminam numa série de residências, projectos e espectáculos. Uma colaboração especialmente intensa durante sete anos consecutivos e que perdura até hoje.

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Biografia

Cristina Planas Leitão é coreógrafa, programadora de artes performativas e professora. É codiretora artística do Departamento de Artes Performativas da Ágora (Teatro Municipal do Porto, DDD – Festival Dias da Dança, CAMPUS Paulo Cunha e Silva), após ter assumido a direção artística interina em julho de 2022, e a programação de artes performativas, sob direção artística de Tiago Guedes, desde 2019. Em 2011, foi uma das iniciadoras dos encontros desNORTE (2011-2017) e integrou o grupo de consultoria de Braga’27. A sua prática curatorial agregadora foca-se no desenvolvimento de formatos de criação sustentáveis, novas narrativas e relações de cuidado nas artes performativas. Aborda o seu trabalho coreográfico como um acto de resistência e afeto, pesquisando temas conectados com movimentos sociais e políticos, e a sua relação com o corpo performativo na intimidade do teatro. Criou The very delicious piece e The Very Boring Piece, com Jasmina Krizaj, bear me, FM [featuring mortuum] e UM [unimal], escolhida com uma das melhores peças em 2018 pelo JN e Expresso. Em 2023 estreia [O SISTEMA] em co-produção com o 23 Milhas, TM Faro e TAGV. O seu trabalho está documentado na série da RTP2, Portugal que Dança. Licenciada em dança contemporânea pela ArtEZ, onde é mentora e professora regular. Leciona internacionalmente, partindo de uma abordagem somática e não convencional.

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Biografia

É coreógrafo, bailarino, membro fundador e director artístico da EIRA; nasceu, vive e trabalha em Lisboa.

As suas criações circulam pela Europa, América, Médio-Oriente, Ásia e África desde 1988. 

Foi galardoado com o Prémio Bordalo da Casa da Imprensa na área da Dança (1995 e 1997) e com o Prémio ACARTE/Maria Madalena de Azeredo Perdigão da Fundação Calouste Gulbenkian (1994/95).

Coreografou e interpretou os solos ‘O Rei no Exílio’ (1991, filmado para a RTP, com realização de Bruno d’Almeida), ‘Nossa Senhora das Flores’ (1992, Menção Especial do prémio ACARTE/Maria Madalena de Azeredo Perdigão 1992/93), ‘Superman’ (2000), ‘Hitch’ (2003), ‘Coup d’État’ (2006), ‘O REI NO EXÍLIO – REMAKE’ (2013) e mais recentemente ‘E PUR SI MUOVE’ (2014). Dirigiu as peças de grupo ‘Com a morte me enganas’ (1994), ‘Primeiro Nome: Le’ (1994, prémio ACARTE/Maria Madalena de Azeredo Perdigão 1994/95), ‘Dom São Sebastião’ (1996), ‘GUST’ (1997), ‘More’ (1998), ‘À Força’ (1998), ‘Em Troca’ (2001, coreografia para a Companhia Nacional de Canto e Dança de Moçambique), ‘My Name is Wilde… Oscar Wilde’ (2001), ‘Silence so Sexy’ (2002), ‘LIVE|EVIL – EVIL|LIVE’ (2005), ‘RIP’ (2010), ‘LOST RIDE’ (2011),’ANDIAMO!’ (2012) ‘VELHⒶS’ (2019). Apresentou espectáculos em co-autoria com Mónica Lapa (‘Bimarginário’, 1990), Vera Mantero (‘blá-blá-blá’, 1990), Carlota Lagido (‘Sporting Decadence’, 2000), Herwig Onghena (“LIVE|EVIL – EVIL|LIVE”, 2005) e Vera Mota (‘im-‘ 2009). Colaborou enquanto coreógrafo em ‘Hanare’ (2009), desenvolvido com Aldara Bizarro e por ela interpretado, e em ‘A Laura quer!’ (2019) com direcção artística de Sílvia Real. Desenvolveu ainda intervenções para uma obra de Pedro Cabrita Reis em exposição no Museu de Arte Contemporânea de Bona (‘O Príncipe da Rua’, 1999) e para a exposição de Francis Bacon no Museu de Serralves (‘Laughter To My Heart’, 2003), bem como os projectos para espaços não-convencionais ‘Performers Anónimos’ (1999) e ‘Danças Privadas’ (2000). Dançou com vários coreógrafos, destacando Paula Massano, Meg Stuart/Damaged Goods em ‘Disfigure Study’ (1991) , ‘BLESSED’ (2007), ‘All together Now’ (2009) e ‘UNTIL OUR HEARS STOP’ (2015), Alain Platel/Le Ballets C de la B em ‘Bonjour Madame, comment allez-vous aujourd’hui, il fait beau, il va sans doute pleuvoir, et cætera’ (1993) e Carlota Lagido em ‘Lilith’ (1998) e ‘Self – um auto-retrato em 39 partes’ (2004). Tem participado em debates, conferências e encontros internacionais, tais como o European Choreographic Forum 1, CrashLanding@Moscow e Cellbytes 2001.

Ensina regularmente no Fórum Dança e em cursos de licenciatura e mestrado das Escolas Superiores de Dança e de Teatro. Orientou workshops em vários países europeus, sul-americanos, asiáticos e africanos.

Estudou dança e teatro em Portugal e em Nova Iorque, nomeadamente no Merce Cunningham Dance Studio e Lee Strasberg Theatre Institute. Estudou voz com Lúcia Lemos, guionismo com Luís Falcão e escrita criativa com José Luís Peixoto.

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Biografia

Nascido no Rio de Janeiro, Gustavo Ciríaco é um coreógrafo e artista contextual, cujo trabalho transita entre as artes performativas e as artes da imagem, a performance, a arquitectura, a antropologia e o paisagismo. Cientista político e bailarino de formação, formado pela Escola Angel Vianna (Rio de Janeiro) e pelo Instituto de Filosofia e Ciências Sociais-UFRJ (Rio de Janeiro), Ciríaco formou com Frederico Paredes durante 10 anos a Dupla de Dança Ikswalsinats, pioneira no uso do humor na dança contemporânea nacional. Marcado por um pronunciado perfil “site-specific”, suas obras fazem dialogar contexto e arquitetura, geografia e habitação, realidade e ficção, numa pesquisa contínua desde há 20 anos sobre os campos extensivos da arte de fazer danças. Ciríaco tem trabalhado transversalmente através de diferentes campos do saber e das artes, e dos seus distintos modos de interacção, reunindo ferramentas e “insights” de como lidar com o tempo e espaço comuns. Para tal, o seu trabalho tem envolvido dança, teatro, vídeo, construções de paisagens, narração de histórias e acções urbanas em peças-conversas onde as dimensões do encontro são as inspirações para ficções e situações partilhadas. Temas como presente e presença, representação da paisagem, percepção, espaço urbano, performance situada, imersão cognitiva são constantemente abordados no seu trabalho.

Com uma trajectória internacional, com passagens desde as Américas até à Ásia, passando pela Europa e o Médio oriente, o seu trabalho tem sido acolhido por importantes festivais e instituições como Tanz im August e Haus der Kulturen der Welt (Berlim), Alkantara, Museu Berardo, Culturgest (Lisboa), Crossing the Line, New York University (Nova Iorque), Al Mammal Foundation (Jerusalém), Tokyo Wonder Site (Tóquio), San Art Gallery (Saigon), Ferme de Buisson, Paris Quartier d’Été (Paris), SESC SP (São Paulo), Panorama (Rio), Bienal SESC de Dança (Campinas), NAVE (Santiago), Bienal de Danza del Caribe (Havana), Casa Encendida (Madri), Metropolis (Copenhagen), Museu Fundação Serralves (Porto), entre outros.

Como conferencista, realizou palestras na Galeria de Arte San Art (Vietnã), na Universidade de Belas Artes de Tóquio (Japão) no Museu V & A, no Teatro Chelsea (Reino Unido), na Universidade de Belas Artes de Ramallah (Palestina), na Ópera de Lyon (França), na Fnac (Portugal), no Museu Reina Sofia, na Casa Encendida, na Universidade Alcalá de Henares, na Universidade de Bilbao (Espanha), o Centro de Artes Digitais de Taipé (Taiwan), no Itaú Cultural, no Centro Cultural Banco do Brasil, no Festival Panorama (Brasil), no Teatro Solís (Uruguai), entre outros.

Como professor de História da Dança, Improvisação e de Criação Coreográfica, trabalhou na Escola e Faculdade Angel Vianna, na faculdade de Dança da UniverCidade, no Curso Técnico de Formação em Dança do Ceará, no Departamento de Artes Corporais da UFRJ, e mais recentemente no Curso de Formação PEPCC do Forum Dança, em Lisboa. Como artista convidado, ministrou cursos e realizou conversas no Mestrado em Dança Site-Specific (Danse en Situ) da Universidade Paris VIII, no mestrado em Artes Visuais na Université Sorbonne 3, na École Supérieure des Arts et Techniques (Paris), no Centro Nacional de las Artes (Cidade do México), Escola de Dança – Universidade Federal da Bahia (Salvador).

Foi director artístico do projecto de ocupação “Manifesta!” no Teatro Cacilda Becker (Rio de Janeiro) e comissário do projecto de intercâmbio artístico “ENTRE_Lugares”, do projecto de ocupação “ENTRE” Espaço Cultural Sérgio Porto (Rio) em parceria com Chelsea Theatre (Londres, 2011).

Desde 2009, Ciríaco tem colaborado com a artista e antropóloga Fernanda Eugênio realizando oficinas, laboratórios e criações que tomam a cidade e as práticas site-specific como seu foco de interesse. As suas práticas já os levaram a diversas cidades, onde seguem com o seu laboratório de investigação em torno dos fenómenos particulares de cada contexto urbano, entre elas Salvador (Plataforma Internacional de Dança), Lisboa (Atelier Re.Al), Rio de Janeiro (Espaço SESC), Fortaleza (Bienal de Par em Par) , Saigon (Galeria Sàn Art) e mais recentemente em Nova Iorque (Hemispheric Institute for Performance and Politics).

Desde 2018, Ciríaco é artista investigador associado ao programa THIRD, da DAS – Universidade de Amsterdam, com a pesquisa “Cobertos pelo Céu”.

O livro “Through the Back: Situating Vision between Moving Bodies” foi lançado em Lisboa por ocasião desta palestra. Sobre o livro: http://sarma.be/pages/Through_the_Back 

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Biografia

Ensaísta e dramaturgo, trabalha através dos meios de escrita, performance e publicação. Publicou amplamente sobre dança contemporânea e performance, teoria da arte e filosofia, incluindo um livro sobre espectador na dança contemporânea “Through the Back: Situating Vision between Moving Bodies” (2014). Interessado em documentar as “linguagens do fazer”, Peeters montou vários projectos dialógicos com artistas do campo da dança contemporânea, que resultaram, por exemplo, num livro em colaboração com Meg Stuart, “Are we here yet?” (2010). Outras publicações incluem o livro de artista “We don’t know what free jazz is” (2015), os ensaios “Reseeding the library, gleaning readership” (2018) e “Bookmarks of sorts” (2021), e a monografia sobre Mette Edvardsen, “Something Some things Something else” (2019). Peeters envolve-se regularmente em colaborações artísticas com deufert+plischke, Jack Hauser, Sabina Holzer, Sara Manente, Martin Nachbar, Meg Stuart, David Weber-Krebs e Jozef Wouters, entre outros. É co-fundador e editor do Sarma (Laboratório de Práticas Discursivas e Publicação Ampliada) e Varamo Press. Como investigador, interessa-se por ecologias de atenção, conhecimento incorporado, alfabetização material, leitura, comunidade e desenvolvimento sustentável. Desde 2020, Peeters é investigador associado da Hasselt University, Faculty of Architecture and Arts e PXL-MAD School of Arts.

Uma grande seleção de escritos de Peeters está disponível em http://sarma.be/pages/Jeroen_Peeters 

Por lapso é mencionado na conferência que as Jornadas de Arte Contemporânea foram uma iniciativa da Fundação de Serralves quando, na verdade, se tratou de uma iniciativa da Câmara Municipal do Porto, comissariada pelo João Fernandes e com assessoria da Ana Cristina Vicente na área da dança.

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Biografia

Brasil, 1969. Vive no Porto desde 1990. A sua prática artística desenvolve-se em torno de áreas como coreografia, curadoria, performance e pedagogia, procurando experimentar diferentes princípios de colaboração. O seu trabalho tenta articular diferentes papéis que a escrita pode assumir na prática artística, seja como gesto performativo, modo de apropriação da realidade, matéria visual ou instrumento de activação e de registo da performance. Foi director artístico do Núcleo de Experimentação Coreográfica entre 2006 e 2011. É membro da direcção plenária da GDA (Cooperativa de Gestão dos Direitos dos Artistas) desde 2008 e do Conselho de Curadores da Fundação GDA desde 2010. Artista residente da Circular Associação Cultural a partir de 2012 e coordenador do programa educativo da associação a partir de 2018. Colaborou com o Ballet Contemporâneo do Norte, tendo criado duas peças para a companhia e participado como intérprete ou ensaiador em outras 4 produções. Organizou seminários e participou como formador em diversos programas e instituições como o FAICC – Formação avançada em interpretação e criação coreográfica, da Companhia Instável, a Oficina ZERO ou o Balleteatro Escola Profissional. Em 2016 trabalhou como assistente convidado no Curso de Especialização em Performance na FBAUP. Colabora, desde 2016, com o grupo Sintoma – Performance, Investigação e Experimentação, orientado por Rita Castro Neves e desenvolvido pelo i2ADS Instituto de Investigação em Arte, Design e Sociedade da Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto. Em 2020 e 2021, no âmbito do projeto europeu “ARK”, orientado pelo grupo de teatro Quarantine e realizado simultaneamente em sete cidades, partilhou com Inês Moreira a curadoria da versão portuguesa (ARK Porto – Escola dos Confins e de Nenhures), produzida pelo Teatro Municipal do Porto – Rivoli em colaboração com o programa Cultura em Expansão. Foi intérprete ou participante em trabalhos de diversos criadores ligados às artes plásticas ou performativas, como por exemplo Miguel Pereira, Isabelle Schad, Joshua Sofaer, Cildo Meireles, Tino Seghal, Peter Bebjak/Juraj Korec, Jean-Marc Heim, Ronit Ziv, Gary Stevens, Simone Forti, André Guedes, E. M. de Melo e Castro, Joana Providência, João Paulo Seara Cardoso, Ana Figueira, Isabel Barros e Né Barros. Frequenta actualmente o doutoramento em Arte Contemporânea do Colégio das Artes, Universidade de Coimbra.

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Biografia

Professora, programadora e coreógrafa. Nascida em 1956, Madalena Victorino partiu para Londres a seguir ao 25 de Abril para estudar dança contemporânea. Acabou por dedicar-se ao estudo do movimento associado à pedagogia da dança. No regresso criou a sua profissão e tem desenvolvido muitos projectos junto das comunidades. Exemplo disso é a época em que partiu para as aldeias de Viseu para dar a conhecer Pina Bausch às mulheres do campo. Durante muito tempo esteve à frente do Centro de Pedagogia e Animação do CCB. Actualmente, entre muitas outras danças, é uma das programadoras da edição de 2013 do Festival Todos, em Lisboa. Cria múltiplas peças coreográficas que frequentemente envolvem pessoas de idades e com experiências de vida muito diferentes e intérpretes profissionais. Tem ganho vários prémios com os seus projectos. O seu trabalho é reconhecido pela sua carga humanística. Vive preocupada com a importância da educação artística de cada e todas as pessoas.

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Rio de Janeiro, 1973. Coreógrafa e performer. Nos últimos vinte anos vem desenvolvendo projectos que dissolvem as fronteiras entre a dança e as artes plásticas, construindo uma linguagem que perturba a hierarquia entre corpo e objecto: o corpo torna-se objecto e os objectos tornam-se corpo. Através do seu trabalho, Levi cria uma zona de ambiguidades e deslocamentos. Formada pela Escola de Dança Angel Vianna (Rio de Janeiro), Levi foi artista residente no centro de arte Les Recollets (França), no Programa Artistas en Residencia – Casa Encendida / Aula de Danza (Espanha), no Espaço Cultural Azala, (Espanha), no Laboratório de Criatividade Urbana ON.OFF, Guimarães 2012 – Capital Europeia da Cultura (Portugal), artista convidada no programa Rio Occupation London, na London Cultural Olympiad, promovido pela SEC RJ (Londres) e recebeu a bolsa Batiscafo (Cuba).

Os seus projectos: “Imagem” (2002), “Massa de sentidos” (incluído como um dos dez melhores trabalhos em dança de 2004 na lista do jornal O Globo), “In-organic” (Prêmio Klauss Vianna 2007, Programa Rumos Dança Itau Cultural, incluído pela organização inglesa Artsadmin no “The top 40 illustrated guide to 2008”, citado no yearbook de 2008 da revista alemã Ballettanz e incluído como um dos dez melhores trabalhos em dança de 2007 na lista do Jornal do Brasil) e “Em redor do buraco tudo é beira” (contemplado pela Funarte no Programa de Bolsas de Estímulo à Criação Artística 2008, incluído entre os destaques da dança em 2009 pela crítica especializada do jornal O Globo, contemplado com o Prémio Reconhecimento ZKB / Zürcher Theater Spektakel, Zurique 2010 e com o Prêmio PROCULTURA 2010) têm sido apresentados em vários festivais e centros de arte no Brasil, Europa e América Latina como: Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa), Impulstanz Festival (Viena), Les inaccoutumés – Ménagerie de Verre (Paris), In Transit (Berlim), In Presentables (Madrid), Rencontres Choregraphiques de Seine-Saint-Denis (Paris), Kunstenfestivaldesarts (Bruxelas), Nottdance (Nottingham), Arnolfini (Bristol), Teatro Solís (Uruguai), Festival COCOA (Buenos Aires), Bienal Internacional de Dança do Ceará, Casa França Brasil, MAM RJ e outros.
Em 2010, fundou a Improvável Produções em parceria com a coreógrafa, performer e gestora cultural argentina Lucía Russo. Levi & Russo apostam num projecto de autoria partilhada, numa direcção artística que aponta para um regime de sentido aberto e múltiplo, uma direcção polifónica em que diferentes posições inventivas se entrecruzam num processo que acolhe linhas desviantes, dissenso e diferenças internas como força crítica construtiva e não como polaridades auto-excludentes.

A Improvável – espaço de formação, pesquisa e criação – é responsável pela concepção, criação e produção das peças de dança “Natureza Monstruosa” (Fomento à Dança, SMC RJ, 2011 + Iberescena 2011 + Circuito Estadual das Artes, SEC 2012); “Mordedores” incluído na lista do jornal O Globo como um dos espetáculos de dança de destaque em 2015 (Coprodução Iberescena / Funarte 2014 + Fomento a Cultura Carioca 2014 | SMC + Prêmio Funarte de Dança Klauss Vianna, 2015); “Boca de Ferro” incluído na lista do jornal O Globo como um dos espetáculos de dança de destaque em 2018 e indicado ao Prémio Cesgranrio de Dança nas categorias “melhor coreografia” e “melhor bailarino”, “Deixa Arder” incluído na lista do jornal O Globo como um dos espetáculos de dança de destaque em 2017 e “HARM-ONY” coprodução fundo Iberescena/Funarte e NAVE (Santiago do Chile); e pela intervenção urbana “Sandwalk with me” desenvolvida entre Londres e Rio de Janeiro com o apoio da Secretaria de Estado de Cultura do RJ e com a coprodução do Festival Panorama 2013.
Levi colaborou com os artistas Lia Rodrigues, Vera Mantero, Guillermo Gomez-Peña, Laura Erber, Manuel Vason, Cristina Moura, Dani Lima e Gustavo Ciríaco, entre outros.

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Biografia

Margarida Bettencourt nasceu em 1962 em Johannesburg, na Africa do Sul onde começou ainda em criança com aulas de dança enquanto também se dedicava a atividades desportivas como natação, ginástica e ténis. Mudou-se com a família para Portugal em 1973. É bailarina-coreógrafa e professora de dança considerada uma das pioneiras da Nova Dança Portuguesa.

Frequentou os cursos de formação de dança da Fundação Calouste Gulbenkian. entrando depois para a companhia onde dançou de 1980 a 1993. Desde logo iniciou um trabalho independente, a solo e em colaboração com outros artistas, nomeadamente o bailarino e coreógrafo João Natividade com quem formou o grupo Aparte. Manteve uma relação criativa estreita com os compositores Carlos Zíngaro e Constança Capdeville com trabalhos encomendados pelo Serviço Acarte da Fundação Calouste Gulbenkian, Culturgest, Forum Dança, Festival Danças na Cidade.

O seu trabalho a solo distingue-se por uma ênfase no corpo como potencial de expressão e comunicação – em 2009 a adaptação de “At Once” da coreógrafa americana Deborah Hay, numa colaboração com o artista plástico João Tabarra, foi mais uma etapa desta pesquisa.

De 1997 a 2012 ensinou em várias instituições de ensino da dança, nomeadamente na Escola de Dança do Conservatório Nacional, Escola Superior de Dança, Forum Dança, tendo integrado vários grupos de reflexão sobre o ensino da dança em Portugal.

Em 2006 foi tutora no Curso de Coreografia promovido pela Fundação Calouste Gulbenkian.

Em 2007 concluiu uma formação para instrutora de Chi Kung Terapêutico na Escola Superior de Medicina Tradicional Chinesa – passando a dar aulas regulares desta disciplina em vários contextos.
Tem continuado a sua investigação no desenvolvimento de uma relação com o corpo como potencial de força transformadora, terapêutica e inspiradora – explorando a integração da sua história e experiência pessoal como bailarina, o treino e a prática com a anatomia, com a fisiologia do corpo, com processos e rituais de criação.

Depois de acompanhar o pai durante o seu último ano de vida, fez uma formação para voluntária no acompanhamento de pessoas em fim de vida – com a AMARA, associação que tem como missão a dignidade na vida e na morte. Todas estas experiências alimentam a forma como é desenvolvida e partilhada a sua prática com paixão e devoção pelo corpo e o movimento como força vital.

Biografia

Bailarino, coreógrafo, cantor e professor americano, Mark Tompkins funda a Company I.D.A. em 1983. Cria solos, peças de grupo, concertos e performances que misturam dança, música, canção, texto e vídeo. A sua maneira de fabricar objectos performáticos não identificados tornou-se a sua assinatura. A paixão pela composição em tempo real leva-o a todo o mundo, ensinando e apresentando-se com muitos bailarinos e músicos. Em 2008, recebe o Prémio de Coreografia SACD pelo seu trabalho (Sociedade de Autores e Compositores Dramáticos).

Fascinado pelo atrito entre o alto e o baixo entretenimento, as suas performances são inspiradas em formas populares como music-hall, vaudeville, musicais, burlesco e a ambivalência de género: “Black’n’blues”, “Opening Night”, “Showtime”, “A Wind Of Madness”, “Le Printemps”, “Bambi”. Canta e dança no concerto “Never Mind the Future” com Sarah Murcia, e colabora com a coreógrafa portuguesa Mariana Tengner Barros em “A Power Ballad” e “Resurrection”.

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Biografia

Natural de Viana do Castelo teve como formação artística na área da dança o curso da Escola de Dança do Teatro Nacional de S. Carlos com Ana Ivanova e o curso da Escola de Dança do Conservatório Nacional de Lisboa.

De 1976 a 1992 integrou o elenco do Ballet Gulbenkian sob a direção de Jorge Salavisa, onde foi primeira bailarina e coreógrafa principal.
Trabalhou com coreógrafos de renome como: Alvin Nokolais, Jiri Kylián, Louis Falco, Hans Van Manen, Vasco Wellemkamp, Karine Saporta, Lar Lubovitch, Peter Sparling, Elisa Monte e Christopher Bruce.

Em Maio de 1992 assumiu a direção artística da Companhia de Dança de Lisboa. Em Fevereiro de 1995 fundou a Companhia Olga Roriz, da qual é directora e coreógrafa. O seu reportório na área da dança, teatro e vídeo é constituído por mais de 90 obras, onde se destacam as peças “Treze Gestos de um Corpo”, “Isolda”, “Casta Diva”, “Pedro e Inês”,”Propriedade Privada”, “Electra”, “Pets”, “A Cidade”, “A Sagração da Primavera”. Criou e remontou peças para um vasto número de companhias nacionais e estrangeiras entre elas o Ballet Gulbenkian e Companhia Nacional de Bailado (Portugal), Ballet Teatro Guaira (Brasil), Ballets de Monte Carlo (Mónaco), Ballet Nacional de Espanha, English National Ballet (Inglaterra), American Repertory Ballet (E.U.A.), Maggio Danza e Alla Scala (Itália). Internacionalmente os seus trabalhos foram apresentados nas principais capitais europeias, assim como nos E.U.A., Brasil, Japão, Egipto, Cabo Verde, Senegal, Tailândia, Macau, Moçambique e Coreia do Sul. Tem um vasto percurso de criação de movimento para Teatro e Ópera. Na área do vídeo realizou três filmes, “Felicitações Madame”, “A Sesta” e “Interiores”.

Desde 1982 Olga Roriz é distinguida com relevantes prémios nacionais e estrangeiros. Entre eles destacam-se o 1º Prémio do Concurso de Dança de Osaka, Japão (1988), Prémio da melhor coreografia da Revista Londrina Time-Out (1993), Prémio Almada (2004), Condecoração com a insígnia da Ordem do Infante D. Henrique – Grande Oficial pelo Presidente da República (2004), Grande Prémio da Sociedade Portuguesa de Autores e Milleniumbcp (2008), Prémio da Latinidade (2012) entre outros, igualmente relevantes.

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Biografia

Nasceu em Maputo, Moçambique. É um dos coreógrafos mais influentes em África que reflete os levantes pós-coloniais do país de maneira tão ambígua como nenhuma outra. Estudou teatro, dança e música em Moçambique e Portugal. Desde 1993, desenvolve os seus próprios projectos artísticos. O seu trabalho foi apresentado em todo o mundo e ganhou vários prémios. Em 1998, fundou a CulturArte – Cultura e Arte em Movimento, talvez o primeiro e único espaço de produção de dança contemporânea em Moçambique. A dedicação de Panaibra como director artístico e coreógrafo foca-se em apoiar e desenvolver a cena da dança local e regional, incluindo criações, performances e programas de formação. Também desenvolve colaborações com artistas do sul da África e da Europa, além de colaborar com artistas de outras disciplinas.

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Biografia

Sofia Neuparth tem um percurso singular no seio da Arte Contemporânea em Portugal. É o entendimento que tem do Corpo como acontecimento em relação que determina todo a sua acção, quer a nível do trabalho de formação que desenvolve desde o início de 80, à programação da estrutura profissional que co-criou e dirige. Foi assim que no final dos anos 80 deu forma a um espaço de investigação, experimentação, formação, criação e documentação artísticas que sustenta as práticas nos estudos do Corpo, do Movimento e do Comum: o c.e.m-centro em movimento. Da programação regular do organismo c.e.m destaca o Espaço Experimental (existente desde 1993), o trabalho com a cidade desde 2005 (Pedras – práticas com pessoas e lugares), os programas de investigação / criação / formação (como O Risco da Dança, a FIA ou a DEMORA) que têm vindo a ganhar forma desde o final dos anos 90, e o constante acompanhamento lado-a-lado de caminhos de experimentação e criação.

Professora, investigadora e criadora, nutre a reflexão continuada a que se dedica, exercitando a geração de mundos possíveis e praticando a Arte enquanto forma fundamental de Conhecimento. Activamente activa e crítica na relação com a recorrente implementação de políticas (não só culturais) que tendam a sufocar a vitalidade da existência, esteve na criação da APPD (Associação Portuguesa para a Dança) ou da REDE- Associação de Estruturas para a Dança Contemporânea que co-dirigiu durante vários anos, continuando atenta e participante na geração de formas de ir-sendo implicadas e vibrantes.

Mantém aberta a experiência da dança no encontro com outras formas de conhecimento como a embriologia ou a filosofia de onde emergiram criações como “mmm-um poema físico” (2005), “práticas para ver o invisível e guardar segredo”(dança-livro 2010), “ 1 ou 2 contentamentos comedidos”(2011), ou “Sopro” (2017-com Margarida Agostinho e Bruno de Azevedo) ou as publicações (“escritas em estado de dança”) como “movimento”2014 ou “Criação” 2020, este último com Margarida Agostinho.

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Biografia

Formada em Dança Contemporânea pelo Forum Dança. Em 2001, foi-lhe atribuído o Prémio Ribeiro da Fonte de Revelação na área da Dança, pelo Ministério da Cultura, por “Haikus” (o seu primeiro trabalho). Obteve, com distinção, o grau de Master Researcher in Choreography and Performance da Universidade de Roehampton (Londres). No seu trabalho, explora e experimenta com as linguagens da Dança, Performance, Música, Literatura, Teatro e Vídeo. Para além de textos e poemas dispersos em várias publicações, é autora de 6 livros publicados. Colabora com a CNB, com o Forum Dança e ESTC. Em 2016 estreou, no Festival Alkantara, “Assentar Sobre a Subida das Águas” e, em 2017, “Querer do Corpo, Peso”, no São Luiz. Ao longo do seu percurso artístico, o seu trabalho tem sido apoiado pelo Ministério da Cultura/Secretaria de Estado da Cultura, Fundação Calouste Gulbenkian e Centro Nacional de Cultura. O seu trabalho tem sido apresentado em vários Festivais e Teatros, em Portugal e no estrangeiro. Sónia Baptista é artista Associada da AADK Portugal.